Raúl Morilla atraviesa uno de los tramos más intensos de su carrera. Su instalación Membranas del Santuario fue seleccionada para representar a República Dominicana en la XVII Bienal de Cuenca, Ecuador. A esta experiencia se suman su participación en la Bienal Nómade, en Nueva York, y en la Bienal de Arte y Nuevos Medios VIDEOAKT, en Lima, mientras continúa desarrollando una importante labor como diseñador museográfico para otros artistas. Es suya la museografía de Siempre Salomé y Carteles en Dos Calles, en Dos Calles, Espacio Creativo; Capilla Ardiente, en la Capilla de los Remedios en la Ciudad Colonial; Iván Tovar: Le Retour, presentada como evento colateral oficial de la 61.ª Bienal de Venecia, así como la de El mar como territorio, en el Centro Cultural Rainieri en Punta Cana y, más recientemente, Archivo de lo Posible, de Quisqueya Henríquez en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo.
La invitación a participar en la XVII Bienal de Cuenca, hecha por el artista y curador Ezequiel Taveras, ¿qué significó para tu trayectoria?
Fue una validación muy importante y, al mismo tiempo, una gran responsabilidad como único dominicano en el evento. Confirmó que una obra concebida desde mi contexto, desde mis inquietudes simbólicas y espaciales, podía dialogar en un escenario internacional de alto nivel.
La instalación Membranas del Santuario combina conos tejidos en yute, video e interacción con el público. ¿Cómo surgió la idea?
Pretendí plantear una instalación inmersiva donde se pudiera reflexionar sobre la condición humana en la era de la hiperconexión. Los conos de yute aportan una materialidad orgánica y ancestral, mientras el video introduce la mediación tecnológica. Dentro de cada cono se proyectan piezas resultantes de una investigación sobre los elementos que controlan la sociedad actual, desde las farmacéuticas hasta los medios y la política. La intervención en el parque de Las Mercedes se interconecta con la sala de La Antigua Escuela Central, completando la reflexión sobre la importancia del arte público.
También participaste en la Bienal Nómade en Nueva York. ¿Qué presentaste en este evento cultural?
Fui invitado a esta edición, celebrada en Governors Island, en el espacio de la New York Latin American Art Triennial. Allí presenté Fugas del olvido, una instalación con un elemento inflable que penetra por una de las ventanas de una fachada histórica. Mediante un mecanismo programado, la pieza se infla y desinfla, transformándose en una especie de organismo vivo que respira. Para mí es muy satisfactorio volver a intervenir el espacio público y crear un entorno donde el transeúnte y el espectador no solo observen, sino que se integren y permitan que la obra dialogue directamente con su contexto.
¿Y qué exploraste en la Bienal VIDEOAKT, en Lima?
Presenté la videoinstalación Ansias Empacadas II, donde una serie de esculturas blandas son intervenidas mediante proyecciones de video para añadir una nueva dimensión sensorial. Aquí la imagen no sustituye al objeto ni el objeto limita a la imagen; ambos coexisten y dependen absolutamente el uno del otro para tener sentido.
Tu trabajo también ha estado muy vinculado al diseño museográfico. ¿Cómo fue la experiencia reciente con Quisqueya Henríquez en Archivo de lo Posible?
Existe una preocupación constante en mi práctica por el manejo del espacio, tanto en la arquitectura como en mis propias instalaciones y en la museografía que diseño para otros creadores. En Archivo de lo Posible abordamos el espacio desde una perspectiva arquitectónica e interiorista que permitió que la museografía respirara de una forma distinta. Mediante el uso estratégico de módulos, muros, volúmenes y la apertura o cierre de huecos, transformamos la lectura habitual del museo. También diseñamos soportes y soluciones a medida para la exhibición de archivos físicos, material digital y proyecciones.
La obra juega con la idea del espectador qué observa y es observado. ¿Qué reflexión buscas provocar?
Que en nuestra realidad actual observar implica también poder ser observado. El visitante cree deambular en un espacio íntimo, pero descubre que su presencia forma parte de una dinámica de observación externa, tanto física como virtual. Esa revelación busca generar una reflexión sobre cómo habitamos un mundo donde la intimidad está constantemente expuesta.
¿Cómo concilias esas preocupaciones sociales con las decisiones estéticas de tu trabajo?
En mi trabajo, la estética es inseparable del concepto. El material, las formas, la disposición espacial, la iluminación y el video no son elecciones decorativas, sino elementos que construyen la experiencia. Es la misma lógica que aplico cuando diseño una museografía: cada recorrido debe traducir espacialmente la intención de la obra que aloja.
Mirando hacia adelante, ¿qué líneas de trabajo te ha inspirado este momento de tu carrera?
Me ha reafirmado el interés por seguir investigando el espacio como territorio de experiencia sensible. Me interesa profundizar en proyectos donde la tecnología, el cuerpo, el símbolo y el entorno dialoguen directamente con el espectador. Esa misma exploración es la que hoy vuelco en cada museografía que diseño: en Venecia, con la obra de Iván Tovar; en Dos Calles, con Siempre Salomé y Carteles en Dos Calles; y en proyectos como Archivo de lo Posible. Ya sea como artista o como museógrafo, mi interés de fondo sigue siendo el mismo: cómo el espacio puede convertirse en memoria compartida.
Importancia
Me interesa profundizar en proyectos donde la tecnología, el cuerpo, el símbolo y el entorno dialoguen directamente con el espectador”.
Inquietud
Existe una preocupación constante en mi práctica por el manejo del espacio, tanto en la arquitectura como en mis propias instalaciones y en la museografía que diseño para otros creadores”.
