Patrick Landry
Crítico de Arte, miembro de la ADCA y de la ADHA
¿Y si los colores de Amaya Salazar desaparecieran como por arte de magia? ¿Que pasaría? Sería un sacrilegio porque Amaya se reconoce por su dominio del color y su paleta tan inconfundible. Entonces, sería una aberración no tomar en cuenta el color. Es como si habláramos de Chagall sin tomar en cuenta el color.
Chagall que era el colorista más grande del siglo XX por Picasso Los historiadores de arte lo han expresado muy bien, en particular, Jacqueline Lichtenstein en su libro, La couleur éloquente, El color elocuente, el rol importante del lenguaje del color en la comunidad artística como en la comunidad de historiadores de arte y filósofos.
Filosóficamente, el color es deficiente de un punto ontológico, no tiene que ser ya que tiene un carácter efímero e inestable. Entonces, el color no tiene existencia propia. Además, el color hereda una doble condena por su materialidad, pertenece al dominio de la materia y la otra razón es su carácter seductor es decir qué pertenece al mundo del sensible frente al mundo del inteligible.
El color no pertenece al objeto sino al sujeto, por lo tanto es cambiante ya que es pura apariencia. Tiene por tanto un carácter subjetivo.
Ante todo, un dato muy peculiar. En la obra gráfica sobre papel, existen casi exclusivamente obras en blanco negro. Es algo enigmático. Ella pasa directamente del carboncillo a la pintura. Dato interesante. No trabaja tanto la acuarela como el pastel.
Es una etapa intermedia que no existe en su oficio. Hablando con ella, dice que pasa del dibujo a la pintura sin ninguna dificultad; ella no siente la necesidad de pasar por una etapa a la acuarela por ejemplo.
Los dibujos al carboncillo son la base para llevar a cabo una pintura. Este elemento es importante porque muestra el rol preponderante de la línea, es la base que permite plasmar en el lienzo la composición. Que sea lápiz de carbón, lápiz de grafito o tinta, la técnica está basada en un dominio de la línea impresionante porque al parecer, esta línea se ve flotando sobre la superficie, algo de aire sin gravedad.
Es una línea llena de vida que corre. La mirada hace lo mismo tratando de seguir el paso de la línea. Es como si fuera la misma artista que estuviera dibujando frente a nosotros. La línea comienza a correr y luego se detiene, toma su respiración y vuelve.
La referencia a Mucha por la elegancia y el movimiento de la línea con sus afiches verticales es evidente. A veces, el dibujo se vuelve casi abstracto por tener una línea interrumpida, poniendo en marcha el cerebro para que pueda recrear un imagen mental que crea un referente obviamente conocido.
Existe un aspecto fenomenológico importante en las obras de Amaya quizás un poco más presente en las obras sobre papel en negro y blanco que las pinturas. El color revela las formas en su globalidad pero al mismo tiempo, la línea tiene la tendencia de ceder frente al color.
En las esculturas, es un poco más difícil ver las líneas porque la obra es un todo. El ojo humano no tiene la capacidad de apreciarla con una sola mirada. El espectador tiene que moverse alrededor de la obra, acercarse o ir hacia atrás para descubrir las sutilidades de las tres dimensiones.
En los bronces, la materia entra en competencia con la línea. Podemos ver confrontación materia y línea. En las obras en resina, los huecos son como un eco al aspecto flotando de la línea que encontramos en los dibujos. Los huecos forman una red de formas donde nace el movimiento de las obras.
No podemos llamar linea si elegimos una a una cada forma geométrica, es más bien un contorno. Estos huecos, frecuentemente formas abstractas pero no siempre, aportan un elemento esencial a las obras, una especie de equilibrio.
Es un poco paradoxal, pero el arte nos sorprende a veces, porque el elemento abstracto de la obra hace tomar conciencia de la fuerza expresiva de las siluetas humanas. Es la oposición figurativo / abstracto que permite, crear y revelar la firmeza de la presencia humana.
A pesar de tener aspectos visuales bastante diferentes entre las diferentes técnicas de obras en tres dimensiones, existen algunos puntos comunes. Por ejemplo, el movimiento interno de la línea que se revela a través de curvas cortas y suaves, es como si fueran comas que hubieran tomado la libertad de aparecer tanto más largas, tanto más cortas, tanto más curvadas, tanto más rectas.
Son como ondulaciones suaves que nos hacen pensar en la música de Debussy o Satie, dos compositores que mantienen al oyente a la expectativa como lo puede hacer Amaya con sus líneas. Las notas musicales están como suspendidas en el aire esperando las siguientes, las curvas de Amaya esperando las siguientes para tomar vida. El silencio por los compositores, el vacío por la pintora.
Con las pinturas, es técnicamente fácil de proyectar fotos en blanco y negro. Es un poco desestabilizador porque estamos acostumbrados a ver este tipo de obras en color. Pero, el cerebro tiene esta capacidad elástica de adaptarse incluso si la memoria persiste y nos invita a recordar el color.
Al no tener los colores, el interés es doble. En primer lugar, vemos la distribución espacial de los diferentes componentes de las obras de manera más clara. Existe de manera recurrente, un cierto equilibrio y también una ausencia de vacío.
Podemos ver que las formas llenan la totalidad de la superficie, algo que no era tan evidente con la presencia del color. El segundo aspecto, es que la línea que aparece, no es una línea de construcción sino
una línea-división, un puente entre los diferentes colores. Esta parte es interesante porque permite resaltar el trabajo no solamente de elaboración de la obra sino también que las líneas-divisiones son visualmente diferentes.
Eso quiere decir que del dibujo a la pintura, el trabajo realizado por Amaya no es de rellenar de colores las diferentes formas sino que el color adquiere un rol distinto de las líneas, para decirlo de otra manera, el color no es al servicio de la línea, sino que tiene su propia autonomía, revelada después de haber quitado el color.
A partir de un dibujo donde la línea y el trazo son de una gran presencia y firmeza, Amaya Salazar llega a destacarse para esculpir en el color para sacar la forma.
La yuxtaposición de las manchas de color crea un universo colorido donde la línea prácticamente ha desaparecido. Hay aquí y allá de los residuos de trazos y líneas pero es el color que construye la obra pero no cualquier color, un color que da la forma, un color que construye.
Ya no es el verde, el amarillo primario, el bermellón, sino toda una paleta que sale de nuestro ojo y cerebro al crear la obra. Es una mezcla óptica, un color subjetivo, lo que Goethe llamó “colores fisiológicos”, concepto desarrollado en la teoría de la percepción del color en El Tratado de los colores publicado en 1810 que viene en contradicción con las ideas de Isaac Newton el cual afirma que el color es ante todo un algo que viene de la física.
Si ella se define por el color es totalmente legítimo y como le dijo Goethe « el color es todo, el color es la vibración como la música; todo es vibración», pero detrás existe todo un campo visual de la línea que permite dar a sus obras la firmeza de la construcción, el aspecto ontológico siempre presente de manera sutil. Ella es también la línea. Henri Matisse dijo: « dibujar pone una línea alrededor de una idea ». Que Amaya Salazar siga llenando el mundo con sus ideas coloridas.
